Am 15.04.2026 um 16 Uhr erwarten dich folgende Inhalte:
Stand & Entwicklungen aktueller Trends & Bildsprache
Visual & Key insights
Werte-Index
Best Practice
„Bildsprache und Trends sind das Fundament einer attraktiven und zeitgemäßen Selbstdarstellung.“
Kostenloses Webinar: Anfragen bitte an webinar@romanhaerer.com
Photographers worldwide are invited to submit one image. Each submission contributes to a shared field of responses.
Each year, ONE IMAGE invites photographers to respond to a single question.
Not to compete in style or category, but to explore what photography can make visible.
From all submissions, a longlist and a shortlist are established.
From this process, one image is selected as the most necessary response to the annual question.
This image is not awarded for aesthetic excellence, but set as a work whose existence is affirmed.
The shortlisted works are presented in Sauveterre-de-Béarn.
The selected ONE IMAGE becomes ONE WORK.
ONE WORK is the process through which a selected image is established, materialised, documented, and sustained as a singular work.
The work:
is publicly presented in Sauveterre-de-Béarn
is accompanied by a written jury statement
is maintained within the ONE WORK program
Ich habe mich intensiv mit aktuellen Design-Trends, Auswertungen und Bildsprache-Sammlungen rund um das Thema AI auseinandergesetzt und bin dabei zu einer Einschätzung gelangt, die mich nicht überrascht. Diese möchte ich gern mit euch teilen:
AI wird Commodity, zur Nebensache, zum Werkzeug.
Perfekt, glatt, generisch: Nicht weil Menschen plötzlich schlechter gestalten – sondern weil „okay“ heute in Sekunden generiert wird.
Und genau da kippt es: Je leichter Bilder entstehen, desto stärker zählen Bilder, die nach Entscheidung aussehen.
Nicht nach Tool. Nicht nach Template. Sondern nach Autorin.
Was wir 2026 sehen, ist keine Abkehr von AI als Werkzeug – sondern eine klare Abkehr von AI als Look.
Der neue Luxus heißt: UNVERWECHSELBARKEIT
Wenn alles möglich ist, wird das Eigene knapp.
„Schön“ ist langweilig.
Der Unterschied liegt in den individuellen Eigenheiten und bewußten Entscheidungen:
Du erkennst es sofort: Bilder, die nicht »RICHTIG« sein wollen, sondern »WAHR«.
ANTI-BLANDING: Schluss mit dem neutralen Einheitslächeln
Blanding ist der Output für eine Welt, die auf Risikoallergie trainiert wurde und Stereotype generiert.
GenAI skaliert diesen Look – und macht ihn gleichzeitig schnell wertlos und langweilig.
Die Gegenbewegung ist sichtbar.
Marken und Creator gehen wieder auf Charakter:
Kurz: Art Direction wird wieder ein Statement.
MESSINESS mit Absicht: Unperfektes Echtheitssignal
Das Interessante ist nicht „unsauber“, sondern „menschlich„:
Körnung, Textur, echte Launen, ein Schnitt, der atmet, ein Moment, der nicht geschniegelt ist.
Das ist kein Rückschritt – das ist Glaubwürdigkeit.
Und Glaubwürdigkeit ist in Zeiten synthetischer Perfektion ein Wettbewerbsvorteil.
Die NEUE ÄSTHETIK ist nicht »low-fi«, sondern »high-intent«:
UNPERFEKTION als Gestaltungsmittel – nicht als Zufall.
HUMAN TOUCH: Nicht Deko, sondern Strategie
„Human Touch“ wird oft wie ein Moodboard-Label behandelt. 2026 ist es eine Produktionsentscheidung:
Warum?
Weil AI dir Varianten gibt – aber selten Bedeutung.
AI hat kein Differenzierungsmerkmal: In Zeiten wo Themen wie Authentizität, Code of Conduct, Verhaltensregeln, Social-Corporate und anderer Nachhaltigkeits-Themen im Fokus der Unternehmenskommunikation stehen, sehe ich AI als unpersönliche und künstliche Facette, wenig Substanz.
Bedeutung entsteht durch Kontext, Kultur, Timing, Impulse, Humor, Emotionen, Intuition und Risiko.
Also durch das, was Menschen gut können: KREATIVITÄT.
Herkunft wird sichtbar: Provenance als Teil der Ästhetik
Je mehr synthetische Bilder im Umlauf sind, desto stärker wirkt ein neues Qualitätsmerkmal: HERKUNFT.
Nicht nur „sieht gut aus“, sondern:
Wer hat’s gemacht? Wie ist es entstanden? Was ist verifizierbar?
Content Credentials, Standards, Kennzeichnung: klingt technisch – ist aber emotional.
Denn Vertrauen ist ein Gefühl. Und Herkunft ist sein Beweis.
Visible AI = Reputationsrisiko
AI kann Kosten senken. Aber auch Markenwert kosten – wenn sie nach Abkürzung aussieht.
Der Punkt ist simpel:
Wenn dein Publikum den Trick sieht, ist der Zauber weg.
Die spannende Konsequenz: Viele starke Teams nutzen AI intensiver denn je – nur sieht man es weniger.
AI wird Infrastruktur. Die Handschrift bleibt menschlich.
Fazit: „AI unsichtbar – Mensch sichtbar“
Die Trendwende ist klar, aber präzise:
Weg von AI als dominanter Ästhetik, hin zu menschlicher Autor*innenschaft als Differenzierung.
Oder in Bildsprache übersetzt:
Wenn alles generierbar wird, gewinnt das, was nicht generisch ist: Der kreative Mensch.
Quellen:
Warum eine Stockagentur als Genossenschaft mehr ist als ein Marketing-Label
Stockfotografie ist für viele Kreativ-Teams ein tägliches Werkzeug – und für viele Fotograf:innen zugleich ein Geschäftsmodell mit zunehmend schmalen Margen. In diesem Spannungsfeld positioniert sich Stocksy United seit 2013 als Gegenentwurf: eine kuratierte Premium-Stockagentur, organisiert als mehrstufige Plattform-Genossenschaft, in der Contributor nicht nur Zulieferer sind, sondern Miteigentümer:innen.
Was Stocksy ist (und warum es sich von anderen Agenturen unterscheidet)
Stocksy (Stocksy United) ist eine in Victoria, British Columbia (Kanada) ansässige Stockplattform für Fotos und Footage (und je nach Kollektion auch Illustratives), die sich bewusst vom klassischen „mehr Masse, mehr Treffer“-Prinzip abgrenzt. Das Geschäftsmodell kombiniert drei Dinge, die in der Branche selten zusammenkommen:
Für Bildkäufer:innen bedeutet das oft: weniger „Stock-typische“ Motive und weniger austauschbare Bildformeln – dafür eine Bildsprache, die eher nach Editorial und Brand Storytelling aussieht.
Reaktion auf den „Race to the Bottom“ im Stockmarkt
Stocksy wurde öffentlich im März 2013 gestartet und geht auf ein Team um Brianna Wettlaufer und Bruce Livingstone (iStock-Gründer) zurück.
Der Kontext: In den 2000er- und 2010er-Jahren verschob sich der Stockmarkt stark Richtung Microstock und Preisdruck. Gleichzeitig wurden viele Fotograf:innen stärker zu „Content-Lieferanten“ in Plattform-Ökonomien, in denen Konditionen und Sichtbarkeit zentral gesteuert werden. Stocksy wurde in frühen Berichten explizit als „Opposite“ zur damaligen Marktlogik beschrieben: Qualität priorisieren und Creator finanziell besser stellen.
Genossenschaftsmodell: Mehr als nur „gute PR“
Stocksy bezeichnet sich als multi-stakeholder, member-owned platform cooperative. Praktisch heißt das: Es gibt verschiedene Stakeholder-Klassen (u. a. Artists, Staff, Advisors) – und das Modell ist in Regeln/Struktur übersetzt, nicht nur in Kommunikation.
Zwei Mechaniken sind dabei zentral:
Dass Stocksy dieses Modell nicht nur theoretisch führt, wird auch in externen Fallstudien zur Plattform-Genossenschaft dokumentiert (inkl. Auszahlungen über mehrere Jahre).
Wie kuratiert Stocksy (und was das für die Bildsprache bedeutet)?
Stocksy arbeitet bewusst editorial geprägt: Der Bestand soll nicht nur „suchbar“, sondern erzählerisch und ästhetisch konsistent sein. In Beiträgen aus der Community wird betont, dass jedes Bild einzeln von Editors geprüft und akzeptiert/abgelehnt wird.
Was das in der Praxis oft bewirkt:
Ein zweiter Punkt ist Exklusivität auf Zeit: Stocksy definiert mit dem Market Freeze eine Lizenz, die exklusive Nutzung für einen gewählten Zeitraum ermöglicht – währenddessen wird das Asset nicht an andere Kund:innen lizenziert.
Für wen ist Stocksy besonders interessant?
Kreativ-Agenturen & Brand-Teams (Art Buying / Produktion)
Publisher & Editorial:
Fotograf:innen / Filmer:innen, die auf nachhaltigere Erlöslogik setzen:
Weiterer Artikel: Stocksy United für Contributor als Gegenentwurf
Fazit:
Stocksy United wurde 2013 gegründet und öffentlich vorgestellt und positioniert sich gegen die „Race to the Bottom“-Dynamik, die mit den Preisen für Microstock-Bilder und den plattformgesteuerten Bedingungen einhergeht.
Was Stocksy auszeichnet, ist die Kombination aus strenger Kuratierung (jedes Bild wird von Redakteuren geprüft), hohen Lizenzgebühren (Stocksy gibt 50 % für Standardlizenzen und 75 % für erweiterte Lizenzen/Marktstopps an) und einer kooperativen Plattformstruktur mit mehreren Interessengruppen, die in Überschussjahren eine mögliche Ausschüttung an die Förderer vorsieht.
Für Käufer ist Stocksy besonders relevant, wenn eine Marke eine eher redaktionelle, authentische Bildsprache und – über Market Freeze – zeitlich begrenzte Exklusivität für Kampagnenfenster benötigt.
Für weitere Eindrücke und mehr Infos: www.stocksy.com
From the very first pages, this book draws you in, and I found it almost impossible to put down. As a lover of the simple yet sophisticated Italian dish „pasta al limone,“ I found myself suddenly drawn into the complex history of Sicily and its cultural interconnections via my culinary weakness. The photographs, illustrations and narrative passages had the same effect on my senses as the finely grated lemon zest on the dish itself: unmistakably distinctive. This distinctive ambivalence, which is as multi-layered as Sicily itself, reflects the complex and culturally woven history of the land.
Favorite Photobooks 2025 — The Big List
Published by Fw:Books
Das Edelmetall Silber als der wichtigste Bestandteil der Fotografie, ausgehend von der ursprünglichen Daguerreotypie Mitte des 19. Jahrhunderts über die industriell hergestellte analoge zur digitalen Fotografie in der Neuzeit, spiegelt den massiven und facettenreichen Ressourcen-Verbrauch wieder. Silber ist auch in Kupfererzen enthalten.
Silber stellt die Grundlage des fotografischen Bildes dar und damit der wichtigste Rohstoff der fotochemischen Industrie. Das Edelmetall wird auch heute noch dafür benötigt.
Die Fotoindustrie war zeitweise der weltweit größte industrielle Abnehmer von Silber. Einher geht der massive Ressourcen-Abbau unter Tage und die dafür benötigten Technik, fossilen Brennstoffe und umweltzerstörende Chemikalien. Zur Gewinnung und Verhüttung wird Steinkohle und weitere Ressourcen benötigt. Für eine Tonne Erz waren 3 bis 4 Tonnen Kohle zur Verarbeitung erforderlich.
Im Silbergelatineverfahren, die gängigste und weltweit verbreitete Art zur Herstellung von lichtempfindlichem Material, wird Silber in Form von Silberhalogeniden in die Gelatine-Schicht des Fotopapiers eingelagert. Die belichteten Partien einer Fotografie bestehen aus kleinen metallischen Silberpartikeln, die sich bei der Belichtung schwarz färben. Die unbelichteten Silberhalogenide werden im anschließenden Verarbeitungsprozess ausgewaschen.
Schwarz/Weiß- und Farbfilme beinhalten Silber als lichtempfindlicher Grundstoff und werden zu Silbernitrat verarbeitet. Für einen Meter Film werden ca. 3 Gramm Silber benötigt. Noch heute wird für jede chemisch entwickelte Fotografie das Edelmetall Silber benötigt.
Daraus lässt sich eine Größenordnung ableiten, die für die Fotoindustrie in der Vergangenheit verbraucht wurde:
Agfa-Gevaert nutzte alleine im Jahr 1980 als größter europäischer Hersteller 700 Tonnen Silber.
Eastman Kodak verbrauchte nach Schätzungen von Wissenschafter:innen bis 1999 alleine für die eigene Produktion ca. 60 % des weltweit abgebauten und industriell genutzten Silbers.
Weitere Zahlen zu Eastman Kodak: Eastman Kodak Company-Auswertungen
Abbildung: © scottsdale-mint on Unsplash
Die Gegend um den Firmensitz in Rochester zählte zu den am höchsten belasteten Regionen der USA. Eastman Kodak Company und viele andere Hersteller wie Agfa-Gevaert, Fuji, Ilford, Orwo und mehr setzten häufig ihre chemische Abfälle in das lokale Ökosysteme frei: z. B. wird die Gegend um den Firmensitz des ehemaligen DDR-Filmherstellers ORWO in Wolfen “Wolfen Creek” genannt.
Abbildung: © Eric Walli CC BY-SA 2.0
Anfang des 20. Jahrhunderts entwickelte sich eine massive Marktwende in der noch kleinen Fotografie-Branche, der die Knipser:innen im Blick hatte. Die Fotografie bahnte sich zum Massenphänomen über alle Bevölkerungsgruppen hinweg an:
1900 bringt Kodak mit der Brownie-Boxkamera ein System auf den Markt, das die Entwicklung und Verarbeitung des Films in das Werk von Eastman Kodak verlagert.
Benutzer:innen schickt die Kamera mit belichteten Negativen einfach an Kodak und bekommt eine neu bestückte Kamera mit Film samt den entwickelten Bildern zurück.
Abbildung: Kodak Instamatic 33.jpg“ by Alfred from Germany is licensed under CC BY-SA 2.0.
Gerade die Vereinfachung der Technik, die Automatisierung und die Verlagerung der chemischen Prozesse und der Entwicklungsarbeit in das Industrielabor macht die technische Komplexität der Fotografie für die Benutzer:innen weitgehend unsichtbar: Das Gespür für die Materialität und das Wissen des Prozesses geht verloren. Der Slogan von Kodak »You press the button, we do the rest« macht das Verschwinden der menschlichen Arbeit überaus deutlich: Fotografie ist als Produkt auf dem Markt gerade deshalb so attraktiv, weil sie scheinbar keine Zeit kostet und kein Wissen voraussetzt.
„Mit dem Aufkommen der Digitalfotografie schien die Materialität des analogen Mediums in Vergessenheit zu geraten: Film einlegen (begrenzt auf max. 36 Aufnahmen), der Kostenfaktor Entwicklung und Abzüge, Scans erstellen, die Lagerung/Archivierung und weitere mehr vordergründige Punkte, die im Rückblick eine einschränkende Wirkung hat ganz im Vergleich zur digitalen Fotografie:
Unbegrenzt Knipsen solange der Akku ausreicht, »Mehr-Bilder-Mehr-Auswahl«, digitale Postproduktion eröffnete ganz neue Horizonte, kein umfangreiches und platznehmendes analoges Archiv mehr – stattdessen Millionen von Bilder auf nur einer Festplatte etc. Die analogen und offensichtlichen Ressourcen verschwinden aus dem Alltag.
Der Kodak-Slogan von 1888 – »You press the button, we do the rest« – wird durch die Digitalfotografie ins Extreme getrieben und bekommt eine ganz neue Bedeutung: Die Nutzer:innen brauchen nur noch auf einen Smartphone-Bildschirm zu tippen oder einen Auslöser bestätigen, schon „erscheint“ wie aus dem Nichts ein Bild.“1
Die erste Digitalkamera wurde bereits in den 1970er Jahren entwickelt: die Eastman Kodak Company leistete zu dieser Phase Pionierarbeit. Allerdings verlor Kodak den Anschluss an seine Wettbewerber durch den Vormarsch der Digitalfotografie Anfang des 21. Jahrhunderts.
Schließlich musste die Eastman Kodak Company ein Insolvenz-Verfahren anmelden und ging als Anbieter für Drucktechnologie hervor.
Es dauerte noch weitere zwei Jahrzehnte, bis sich die Digitalkamera Anfang der 1990er etablieren konnte.
Den eigentlichen Hype und Durchbruch brachte 2007 aber ein anderes Medium: Das iPhone.
Kleine Statistik zur Digitalfotografie
1Auszüge aus Boaz Levin, Esther Ruelfs, Tulga Beyerle: „Mining Photography, Der Ökologischer Fussabdruck der Bildproduktion“; erschienen bei Spector Books, 2022, ISBN 978-3-95905-632-8 S. 107 ff
Viele Fotograf:innen kennen das Spiel: mehr Uploads, mehr Keywords, mehr Konkurrenz – aber die Erlöse pro Lizenz fühlen sich oft an wie „weniger bei mehr Arbeit“. Genau in diese Lücke setzt Stocksy United: eine kuratierte Premium-Stockagentur, organisiert als Genossenschaft, in der Artists nicht nur liefern, sondern (bei Aufnahme) Mitglied werden können. Das verändert nicht nur die Bezahlung, sondern auch die Frage, welche Art von Bildern überhaupt gefragt ist.
Was Stocksy ist – und warum es sich für Contributor anders anfühlt als klassische Agenturen
Stocksy ist nicht „noch eine Stockseite“, die alles nimmt, was technisch sauber ist. Die Plattform ist Premium + kuratiert. Für dich als Contributor heißt das:
Das klingt nach Brand-Bla, ist aber praktisch relevant: Bei Stocksy gewinnen oft Motive, die du auch für ein Magazin oder eine Kampagne fotografieren würdest – nur eben lizenzierbar.
Entstehung: Reaktion auf den „Race to the Bottom“ im Stockmarkt
Stocksy entstand als bewusster Gegenentwurf zur Entwicklung, die viele Contributor seit Jahren spüren: Preisdruck, Austauschbarkeit, Plattformregeln, die sich ohne Mitbestimmung ändern können. Die Gründungsidee war: Premium-Preise + faire Beteiligung + kuratorische Handschrift.
Für dich ist das wichtig, weil daraus eine klare Logik folgt: Stocksy sucht nicht „alles“, sondern einen bestimmten Look – und belohnt ihn.
Genossenschaftsmodell: Mehr als „gute PR“ – was das praktisch für dich bedeutet
„Cooperative“ ist hier nicht nur Etikett. Für Contributor sind zwei Dinge entscheidend:
Contributor-Takeaway:
Stocksy ist eher „Portfolio-Asset“ als „Upload-Maschine“. Du baust dir eine Bibliothek, die über Jahre trägt – wenn du den Stil triffst.
Wie Stocksy kuratiert – und was das für deine Bildsprache bedeutet
Kuratierung heißt: Nicht nur technische Qualität zählt, sondern stimmige, markenfähige Bildwelten. Typisch gefragt sind:
Für wen Stocksy besonders interessant ist
Stocksy passt gut, wenn du …
Stocksy passt eher nicht, wenn du …
Infos für Contributor: Artist for Stocksy