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Schlagwort: Fotografie

  • MENSCHLICHKEIT wird BILDSPRACHE.

    MENSCHLICHKEIT wird BILDSPRACHE.

    Ich habe mich intensiv mit aktuellen Design-Trends, Auswertungen und Bildsprache-Sammlungen rund um das Thema AI auseinandergesetzt und bin dabei zu einer Einschätzung gelangt, die mich nicht überrascht. Diese möchte ich gern mit euch teilen:

    AI wird Commodity, zur Nebensache, zum Werkzeug.

    Perfekt, glatt, generisch: Nicht weil Menschen plötzlich schlechter gestalten – sondern weil „okay“ heute in Sekunden generiert wird.

    Und genau da kippt es: Je leichter Bilder entstehen, desto stärker zählen Bilder, die nach Entscheidung aussehen.
    Nicht nach Tool. Nicht nach Template. Sondern nach Autorin.

    Was wir 2026 sehen, ist keine Abkehr von AI als Werkzeug – sondern eine klare Abkehr von AI als Look.

    Der neue Luxus heißt: UNVERWECHSELBARKEIT

    Wenn alles möglich ist, wird das Eigene knapp.
    „Schön“ ist langweilig.
    Der Unterschied liegt in den individuellen Eigenheiten und bewußten Entscheidungen:

    • Kanten statt Komfort
    • Haltung statt Harmonie
    • Idee statt Oberfläche

    Du erkennst es sofort: Bilder, die nicht »RICHTIG« sein wollen, sondern »WAHR«.

    ANTI-BLANDING: Schluss mit dem neutralen Einheitslächeln

    Blanding ist der Output für eine Welt, die auf Risikoallergie trainiert wurde und Stereotype generiert.
    GenAI skaliert diesen Look – und macht ihn gleichzeitig schnell wertlos und langweilig.

    Die Gegenbewegung ist sichtbar.
    Marken und Creator gehen wieder auf Charakter:

    • eigenwillige Typo
    • mutige Kontraste
    • starke Perspektiven
    • klare visuelle Regeln

    Kurz: Art Direction wird wieder ein Statement.

    MESSINESS mit Absicht: Unperfektes Echtheitssignal

    Das Interessante ist nicht „unsauber“, sondern „menschlich„:
    Körnung, Textur, echte Launen, ein Schnitt, der atmet, ein Moment, der nicht geschniegelt ist.

    Das ist kein Rückschritt – das ist Glaubwürdigkeit.
    Und Glaubwürdigkeit ist in Zeiten synthetischer Perfektion ein Wettbewerbsvorteil.

    Die NEUE ÄSTHETIK ist nicht »low-fi«, sondern »high-intent«:
    UNPERFEKTION als Gestaltungsmittel – nicht als Zufall.

    HUMAN TOUCH: Nicht Deko, sondern Strategie

    „Human Touch“ wird oft wie ein Moodboard-Label behandelt. 2026 ist es eine Produktionsentscheidung:

    • echte Sets statt generischer Hintergründe
    • echte Requisiten statt perfekt berechneter Oberflächen
    • echte Körperlichkeit statt Avatar-Neutralität
    • echte Beobachtung aus dem sozialen Kontext statt „Pinterest-Remix“

    Warum?
    Weil AI dir Varianten gibt – aber selten Bedeutung.
    AI hat kein Differenzierungsmerkmal: In Zeiten wo Themen wie Authentizität, Code of Conduct, Verhaltensregeln, Social-Corporate und anderer Nachhaltigkeits-Themen im Fokus der Unternehmenskommunikation stehen, sehe ich AI als unpersönliche und künstliche Facette, wenig Substanz.

    Bedeutung entsteht durch Kontext, Kultur, Timing, Impulse, Humor, Emotionen, Intuition und Risiko.
    Also durch das, was Menschen gut können: KREATIVITÄT    .

    Herkunft wird sichtbar: Provenance als Teil der Ästhetik

    Je mehr synthetische Bilder im Umlauf sind, desto stärker wirkt ein neues Qualitätsmerkmal: HERKUNFT.

    Nicht nur „sieht gut aus“, sondern:
    Wer hat’s gemacht? Wie ist es entstanden? Was ist verifizierbar?

    Content Credentials, Standards, Kennzeichnung: klingt technisch – ist aber emotional.

    Denn Vertrauen ist ein Gefühl. Und Herkunft ist sein Beweis.

    Visible AI = Reputationsrisiko

    AI kann Kosten senken. Aber auch Markenwert kosten – wenn sie nach Abkürzung aussieht.

    Der Punkt ist simpel:
    Wenn dein Publikum den Trick sieht, ist der Zauber weg.

    Die spannende Konsequenz: 
Viele starke Teams nutzen AI intensiver denn je – nur sieht man es weniger.

    AI wird Infrastruktur. Die Handschrift bleibt menschlich.

    Fazit: „AI unsichtbar – Mensch sichtbar“

    Die Trendwende ist klar, aber präzise:
    Weg von AI als dominanter Ästhetik, hin zu menschlicher Autor*innenschaft als Differenzierung.

    Oder in Bildsprache übersetzt:

    • Mehr Material, weniger Plastik
    • Mehr Haltung, weniger „gefällt allen“
    • Mehr Moment, weniger Perfektion
    • Mehr Herkunft, weniger generischer Glow

    Wenn alles generierbar wird, gewinnt das, was nicht generisch ist: Der kreative Mensch.

    Quellen:

    • MarTech – „AI fatigue“ und Effekte auf Brand/Engagement
    • Marktforschungs-Blog | Unperfekt ist das neue Perfekt – GIM
    • Digiday – steigende Nachfrage nach Authentizität/„Messiness“ im Creator-Markt
    • Adobe – Creative Trends 2026 (Human Touch als Leitmotiv)
    • Europäische Kommission – EU-Regulierungsrahmen / Transparenz- & Kennzeichnungsthemen
    • Content Authenticity Initiative / Content Authenticity – Content Credentials & Provenance (C2PA)
    • SAG-AFTRA – AI/Consent/Schutzmechanismen für Performers & Rechte
    • The Verge – öffentliche Kritik an sichtbarer AI-Werbeästhetik (Reputationssignal)
  • Stocksy United: Premium-Bildagentur und Genossenschaft

    Stocksy United: Premium-Bildagentur und Genossenschaft

    Warum eine Stockagentur als Genossenschaft mehr ist als ein Marketing-Label

    Stockfotografie ist für viele Kreativ-Teams ein tägliches Werkzeug – und für viele Fotograf:innen zugleich ein Geschäftsmodell mit zunehmend schmalen Margen. In diesem Spannungsfeld positioniert sich Stocksy United seit 2013 als Gegenentwurf: eine kuratierte Premium-Stockagentur, organisiert als mehrstufige Plattform-Genossenschaft, in der Contributor nicht nur Zulieferer sind, sondern Miteigentümer:innen.

    Was Stocksy ist (und warum es sich von anderen Agenturen unterscheidet)

    Stocksy (Stocksy United) ist eine in Victoria, British Columbia (Kanada) ansässige Stockplattform für Fotos und Footage (und je nach Kollektion auch Illustratives), die sich bewusst vom klassischen „mehr Masse, mehr Treffer“-Prinzip abgrenzt. Das Geschäftsmodell kombiniert drei Dinge, die in der Branche selten zusammenkommen:

    • Premium-Positionierung & strenge Kuratierung statt Microstock-Volumenlogik.
    • Hohe, fest kommunizierte Royalty-Sätze:
      Stocksy nennt 50 % für Standard-Lizenzen sowie 75 % für Extended Licenses und Market Freezes.
    • Miteigentum & Mitbestimmung über ein Genossenschaftsmodell (mehr dazu unten).

    Für Bildkäufer:innen bedeutet das oft: weniger „Stock-typische“ Motive und weniger austauschbare Bildformeln – dafür eine Bildsprache, die eher nach Editorial und Brand Storytelling aussieht.

    Reaktion auf den „Race to the Bottom“ im Stockmarkt

    Stocksy wurde öffentlich im März 2013 gestartet und geht auf ein Team um Brianna Wettlaufer und Bruce Livingstone (iStock-Gründer) zurück.
    Der Kontext: In den 2000er- und 2010er-Jahren verschob sich der Stockmarkt stark Richtung Microstock und Preisdruck. Gleichzeitig wurden viele Fotograf:innen stärker zu „Content-Lieferanten“ in Plattform-Ökonomien, in denen Konditionen und Sichtbarkeit zentral gesteuert werden. Stocksy wurde in frühen Berichten explizit als „Opposite“ zur damaligen Marktlogik beschrieben: Qualität priorisieren und Creator finanziell besser stellen.

    Genossenschaftsmodell: Mehr als nur „gute PR“

    Stocksy bezeichnet sich als multi-stakeholder, member-owned platform cooperative. Praktisch heißt das: Es gibt verschiedene Stakeholder-Klassen (u. a. Artists, Staff, Advisors) – und das Modell ist in Regeln/Struktur übersetzt, nicht nur in Kommunikation.
    Zwei Mechaniken sind dabei zentral:

    • Royalties als Standard: Die Beteiligung pro Verkauf ist sehr hoch im Vergleich zu vielen marktüblichen Stockmodellen – und transparent in den Support-Dokumenten beschrieben.
    • Patronage (Gewinn-/Überschussbeteiligung): Wenn ein Überschuss entsteht, kann die Genossenschaft laut Stocksy Patronage Dividends/Returns an berechtigte Mitglieder auszahlen.

    Dass Stocksy dieses Modell nicht nur theoretisch führt, wird auch in externen Fallstudien zur Plattform-Genossenschaft dokumentiert (inkl. Auszahlungen über mehrere Jahre).

    Wie kuratiert Stocksy (und was das für die Bildsprache bedeutet)?

    Stocksy arbeitet bewusst editorial geprägt: Der Bestand soll nicht nur „suchbar“, sondern erzählerisch und ästhetisch konsistent sein. In Beiträgen aus der Community wird betont, dass jedes Bild einzeln von Editors geprüft und akzeptiert/abgelehnt wird.
    Was das in der Praxis oft bewirkt:

    • Weniger Klischee-Stock: weniger „Business-Handschlag vor Whiteboard“, mehr situative Momente, echte Umgebungen, subtile Gesten.
    • Stärkere Serienlogik: Bildstrecken und konsistente Looks funktionieren gut für Marken, die Kampagnen modular aufbauen.
    • Planbarkeit für Art Buying: Wer eine bestimmte visuelle Handschrift sucht, findet sie oft schneller, weil der „Rauschen“-Anteil kleiner ist.

    Ein zweiter Punkt ist Exklusivität auf Zeit: Stocksy definiert mit dem Market Freeze eine Lizenz, die exklusive Nutzung für einen gewählten Zeitraum ermöglicht – währenddessen wird das Asset nicht an andere Kund:innen lizenziert.

    Für wen ist Stocksy besonders interessant?

    Kreativ-Agenturen & Brand-Teams (Art Buying / Produktion)

    • Wenn die Bildsprache weniger generisch wirken soll und ihr lieber kuratiert als „endlos scrollt“.
    • Wenn ihr zeitweise Exklusivität braucht (z. B. Produktlaunch, Kampagnenfenster) – ohne gleich ein komplettes Shooting zu produzieren.

    Publisher & Editorial:

    • Wenn „Stock“ nicht als Stock erkennbar sein darf: dokumentarische Anmutung, echte Situationen, weniger Symbolbilder.

    Fotograf:innen / Filmer:innen, die auf nachhaltigere Erlöslogik setzen:

    • Wenn ihr ein Modell sucht, das hohe Royalties plus die Möglichkeit von Patronage kombiniert.
    • Gleichzeitig gilt: Die Hürde ist höher. Stocksy beschreibt das Bewerbungs-/Review-Prozedere als bewusst sorgfältig (und die Kuratierung spürt man auch danach im Upload-Alltag).

    Weiterer Artikel: Stocksy United für Contributor als Gegenentwurf

    Fazit:

    Stocksy United wurde 2013 gegründet und öffentlich vorgestellt und positioniert sich gegen die „Race to the Bottom“-Dynamik, die mit den Preisen für Microstock-Bilder und den plattformgesteuerten Bedingungen einhergeht.
    Was Stocksy auszeichnet, ist die Kombination aus strenger Kuratierung (jedes Bild wird von Redakteuren geprüft), hohen Lizenzgebühren (Stocksy gibt 50 % für Standardlizenzen und 75 % für erweiterte Lizenzen/Marktstopps an) und einer kooperativen Plattformstruktur mit mehreren Interessengruppen, die in Überschussjahren eine mögliche Ausschüttung an die Förderer vorsieht.
    Für Käufer ist Stocksy besonders relevant, wenn eine Marke eine eher redaktionelle, authentische Bildsprache und – über Market Freeze – zeitlich begrenzte Exklusivität für Kampagnenfenster benötigt.

    Für weitere Eindrücke und mehr Infos: www.stocksy.com

  • Fear Guards the Lemon Grove by Klaus Pichler

    Fear Guards the Lemon Grove by Klaus Pichler

    From the very first pages, this book draws you in, and I found it almost impossible to put down. As a lover of the simple yet sophisticated Italian dish „pasta al limone,“ I found myself suddenly drawn into the complex history of Sicily and its cultural interconnections via my culinary weakness. The photographs, illustrations and narrative passages had the same effect on my senses as the finely grated lemon zest on the dish itself: unmistakably distinctive. This distinctive ambivalence, which is as multi-layered as Sicily itself, reflects the complex and culturally woven history of the land.

    Favorite Photobooks 2025 — The Big List

    Published by Fw:Books

  • Edelmetall Silber

    Edelmetall Silber

    Das Edelmetall Silber als der wichtigste Bestandteil der Fotografie, ausgehend von der ursprünglichen Daguerreotypie Mitte des 19. Jahrhunderts über die industriell hergestellte analoge zur digitalen Fotografie in der Neuzeit, spiegelt den massiven und facettenreichen Ressourcen-Verbrauch wieder. Silber ist auch in Kupfererzen enthalten.

    Silber stellt die Grundlage des fotografischen Bildes dar und damit der wichtigste Rohstoff der fotochemischen Industrie. Das Edelmetall wird auch heute noch dafür benötigt.

    Die Fotoindustrie war zeitweise der weltweit größte industrielle Abnehmer von Silber. Einher geht der massive Ressourcen-Abbau unter Tage und die dafür benötigten Technik, fossilen Brennstoffe und umweltzerstörende Chemikalien. Zur Gewinnung und Verhüttung wird Steinkohle und weitere Ressourcen benötigt. Für eine Tonne Erz waren 3 bis 4 Tonnen Kohle zur Verarbeitung erforderlich.

    Im Silbergelatineverfahren, die gängigste und weltweit verbreitete Art zur Herstellung von lichtempfindlichem Material, wird Silber in Form von Silberhalogeniden in die Gelatine-Schicht des Fotopapiers eingelagert. Die belichteten Partien einer Fotografie bestehen aus kleinen metallischen Silberpartikeln, die sich bei der Belichtung schwarz färben. Die unbelichteten Silberhalogenide werden im anschließenden Verarbeitungsprozess ausgewaschen.

    Schwarz/Weiß- und Farbfilme beinhalten Silber als lichtempfindlicher Grundstoff und werden zu Silbernitrat verarbeitet. Für einen Meter Film werden ca. 3 Gramm Silber benötigt. Noch heute wird für jede chemisch entwickelte Fotografie das Edelmetall Silber benötigt.

    Daraus lässt sich eine Größenordnung ableiten, die für die Fotoindustrie in der Vergangenheit verbraucht wurde:

    Agfa-Gevaert nutzte alleine im Jahr 1980 als größter europäischer Hersteller 700 Tonnen Silber.

    Eastman Kodak verbrauchte nach Schätzungen von Wissenschafter:innen bis 1999 alleine für die eigene Produktion ca. 60 % des weltweit abgebauten und industriell genutzten Silbers.

    Weitere Zahlen zu Eastman Kodak: Eastman Kodak Company-Auswertungen

    Abbildung: © scottsdale-mint on Unsplash

  • Eastman Kodak Company-Auswertungen

    Eastman Kodak Company-Auswertungen

    • Eastman Kodak verbrauchte nach Schätzungen von Wissenschafter:innen bis 1999 alleine für die eigene Produktion ca. 60 % des weltweit abgebauten und industriell genutzten Silbers. (siehe Artikel Edelmetall Silber).
    • Die Eastman Kodak Company benötigte täglich 22.000.000 Gallonen Wasser (ca. 100.000.000 Liter).
    • Insgesamt entwickelte Eastman Kodak Company ca. 4.000 chemische und teilweise hochgiftige Arbeitsprozesse, darunter Methylenchlorid, Aceton, Methanol und Dioxin.
    • Zur Herstellung der benötigten Gelatine zur Beschichtung der Filme und Papiere wurden jährlich 30 Millionen Tonnen Rinderknochen verarbeitet.

    Die Gegend um den Firmensitz in Rochester zählte zu den am höchsten belasteten Regionen der USA. Eastman Kodak Company und viele andere Hersteller wie Agfa-Gevaert, Fuji, Ilford, Orwo und mehr setzten häufig ihre chemische Abfälle in das lokale Ökosysteme frei: z. B. wird die Gegend um den Firmensitz des ehemaligen DDR-Filmherstellers ORWO in Wolfen “Wolfen Creek” genannt.

    Abbildung: © Eric Walli CC BY-SA 2.0

  • „You press the button, we do the rest“

    Anfang des 20. Jahrhunderts entwickelte sich eine massive Marktwende in der noch kleinen Fotografie-Branche, der die Knipser:innen im Blick hatte. Die Fotografie bahnte sich zum Massenphänomen über alle Bevölkerungsgruppen hinweg an:
    1900 bringt Kodak mit der Brownie-Boxkamera ein System auf den Markt, das die Entwicklung und Verarbeitung des Films in das Werk von Eastman Kodak verlagert.
    Benutzer:innen schickt die Kamera mit belichteten Negativen einfach an Kodak und bekommt eine neu bestückte Kamera mit Film samt den entwickelten Bildern zurück.

    Abbildung: Kodak Instamatic 33.jpg“ by Alfred from Germany is licensed under CC BY-SA 2.0.

    Gerade die Vereinfachung der Technik, die Automatisierung und die Verlagerung der chemischen Prozesse und der Entwicklungsarbeit in das Industrielabor macht die technische Komplexität der Fotografie für die Benutzer:innen weitgehend unsichtbar: Das Gespür für die Materialität und das Wissen des Prozesses geht verloren. Der Slogan von Kodak »You press the button, we do the rest« macht das Verschwinden der menschlichen Arbeit überaus deutlich: Fotografie ist als Produkt auf dem Markt gerade deshalb so attraktiv, weil sie scheinbar keine Zeit kostet und kein Wissen voraussetzt.

  • Kurzgeschichte DIGITALFOTOGRAFIE

    „Mit dem Aufkommen der Digitalfotografie schien die Materialität des analogen Mediums in Vergessenheit zu geraten: Film einlegen (begrenzt auf max. 36 Aufnahmen), der Kostenfaktor Entwicklung und Abzüge, Scans erstellen, die Lagerung/Archivierung und weitere mehr vordergründige Punkte, die im Rückblick eine einschränkende Wirkung hat ganz im Vergleich zur digitalen Fotografie:
    Unbegrenzt Knipsen solange der Akku ausreicht, »Mehr-Bilder-Mehr-Auswahl«, digitale Postproduktion eröffnete ganz neue Horizonte, kein umfangreiches und platznehmendes analoges Archiv mehr – stattdessen Millionen von Bilder auf nur einer Festplatte etc. Die analogen und offensichtlichen Ressourcen verschwinden aus dem Alltag.
    Der Kodak-Slogan von 1888 – »You press the button, we do the rest« – wird durch die Digitalfotografie ins Extreme getrieben und bekommt eine ganz neue Bedeutung: Die Nutzer:innen brauchen nur noch auf einen Smartphone-Bildschirm zu tippen oder einen Auslöser bestätigen, schon „erscheint“ wie aus dem Nichts ein Bild.“1

    Die erste Digitalkamera wurde bereits in den 1970er Jahren entwickelt: die Eastman Kodak Company leistete zu dieser Phase Pionierarbeit. Allerdings verlor Kodak den Anschluss an seine Wettbewerber durch den Vormarsch der Digitalfotografie Anfang des 21. Jahrhunderts.
    Schließlich musste die Eastman Kodak Company ein Insolvenz-Verfahren anmelden und ging als Anbieter für Drucktechnologie hervor.

    Es dauerte noch weitere zwei Jahrzehnte, bis sich die Digitalkamera Anfang der 1990er etablieren konnte.

    Den eigentlichen Hype und Durchbruch brachte 2007 aber ein anderes Medium: Das iPhone.

    Kleine Statistik zur Digitalfotografie

    • 2013 wurden bereits die meisten Fotografien mit dem Smartphone aufgenommen
    • 2021 waren es bereits über 90 Prozent aller digitalen Fotos
    • 2020 wurden mehr als eine Billion Bilder von Amateuren und Profis geschossen
    • Täglich werden bei Instagram bis zu 90 Millionen Fotos und Illustrationen eingestellt
    • Täglich werden auf Facebook 350 Millionen Bilder hochgeladen
    • CeWe, der in Europa größte Filmentwickler, hat im Jahr 2021 rund 30,9 Millionen Filmrollen und 2,2 Milliarden Digitalfotos entwickelt (statista)

    1Auszüge aus Boaz Levin, Esther Ruelfs, Tulga Beyerle: „Mining Photography, Der Ökologischer Fussabdruck der Bildproduktion“; erschienen bei Spector Books, 2022, ISBN 978-3-95905-632-8 S. 107 ff

  • Stocksy United für Contributor

    Stocksy United für Contributor

    Viele Fotograf:innen kennen das Spiel: mehr Uploads, mehr Keywords, mehr Konkurrenz – aber die Erlöse pro Lizenz fühlen sich oft an wie „weniger bei mehr Arbeit“. Genau in diese Lücke setzt Stocksy United: eine kuratierte Premium-Stockagentur, organisiert als Genossenschaft, in der Artists nicht nur liefern, sondern (bei Aufnahme) Mitglied werden können. Das verändert nicht nur die Bezahlung, sondern auch die Frage, welche Art von Bildern überhaupt gefragt ist.

    Was Stocksy ist – und warum es sich für Contributor anders anfühlt als klassische Agenturen

    Stocksy ist nicht „noch eine Stockseite“, die alles nimmt, was technisch sauber ist. Die Plattform ist Premium + kuratiert. Für dich als Contributor heißt das:

    • Du verkaufst nicht über Masse, sondern über Bildsprache, Konsistenz und Serie.
    • Du arbeitest eher wie für ein Editorial/Brand-Portfolio als wie für eine Keyword-Fabrik.
    • Deine Rolle ist näher an „Kreativpartner:in“ als an „Content-Lieferant:in“.

    Das klingt nach Brand-Bla, ist aber praktisch relevant: Bei Stocksy gewinnen oft Motive, die du auch für ein Magazin oder eine Kampagne fotografieren würdest – nur eben lizenzierbar.

    Entstehung: Reaktion auf den „Race to the Bottom“ im Stockmarkt

    Stocksy entstand als bewusster Gegenentwurf zur Entwicklung, die viele Contributor seit Jahren spüren: Preisdruck, Austauschbarkeit, Plattformregeln, die sich ohne Mitbestimmung ändern können. Die Gründungsidee war: Premium-Preise + faire Beteiligung + kuratorische Handschrift.
    Für dich ist das wichtig, weil daraus eine klare Logik folgt: Stocksy sucht nicht „alles“, sondern einen bestimmten Look – und belohnt ihn.

    Genossenschaftsmodell: Mehr als „gute PR“ – was das praktisch für dich bedeutet

    „Cooperative“ ist hier nicht nur Etikett. Für Contributor sind zwei Dinge entscheidend:

    • Hohe Beteiligung pro Verkauf (Royalties)
      Du bist nicht darauf angewiesen, 10.000 Downloads zu stapeln, um den Monat zu retten. Bei Premium-Stock kann schon weniger Volumen spürbar sein – wenn dein Content zur Nachfrage passt.
    • Patronage/Überschussbeteiligung (je nach Jahr/Regeln)
      Statt dass Gewinne ausschließlich in einer Firmenstruktur hängen bleiben, kann es zusätzliche Ausschüttungen für Mitglieder geben. Das ist kein garantierter Bonus – aber es ist ein Signal, dass die Plattformlogik nicht ausschließlich „oben sammelt, unten produziert“ ist.

    Contributor-Takeaway:
    Stocksy ist eher „Portfolio-Asset“ als „Upload-Maschine“. Du baust dir eine Bibliothek, die über Jahre trägt – wenn du den Stil triffst.

    Wie Stocksy kuratiert – und was das für deine Bildsprache bedeutet

    Kuratierung heißt: Nicht nur technische Qualität zählt, sondern stimmige, markenfähige Bildwelten. Typisch gefragt sind:

    • Authentizität statt Symbolik
      echte Räume, echte Details, echte Situationen
    • keine „zu perfekten“ Stock-Posen
    • Serien statt Einzelbilder
      Stocksy liebt Content, der als Story-Set funktioniert.
    • Konsequenter Look
    • „Commercial-usable“, ohne nach Werbung auszusehen

    Für wen Stocksy besonders interessant ist

    Stocksy passt gut, wenn du …

    • gern in Serien denkst und nicht nur Einzelshots produzierst
    • einen starken, konsistenten Stil hast (oder bewusst entwickeln willst)
    • eher Lifestyle, Travel, Food, Portrait, Dokumentarisches machst
    • bereit bist, kuratorisches Feedback (implizit über Annahme/Ablehnung) als Teil des Prozesses zu akzeptieren
    • dein Stock-Portfolio als langfristiges Asset bauen willst

    Stocksy passt eher nicht, wenn du …

    • auf reine Menge setzt (High-Volume-Upload, generische Motive)
    • primär isolierte Freisteller/Icons/„Business-Klischees“ produzierst
    • schnelle, planbare Abnahme ohne Stilvorgaben erwartest
    • keine Zeit/Lust hast, Releases & Serien konsequent zu organisieren

    Infos für Contributor: Artist for Stocksy

  • Papier, Zellulose, Gelatine und Celluloid

    Die ersten fotografischen Bilder entstanden auf diversen unterschiedlichen Metalloberflächen – und im Gegensatz zur Daguerreotypie, die ein Unikat war – suchten die Tüftler und Erfinder nach Wegen und Verfahren der Vervielfältigung.

    Es dauerte nicht lange bis das ideale Medium zur Herstellung unendlich vieler Positivabzüge gefunden wurde: Papier.

    „Old Wrinkled Paper Texture“ by ‚Playingwithbrushes‘ is licensed under CC BY 2.0.

    Papier besaß entscheidende Vorteile und Eigenschaften gegenüber den herkömmlichen Trägermedien: Papier war günstig, massentauglich und verfügte über entsprechende physikalische Eigenschaften für noch effizientere Herstellungsverfahren.
    Die Grundlage für das Fotopapier bildete bis weit ins 19. Jahrhundert Baumwoll- und Flachslumpen, importiert aus den gängigen Produktionsstätten rund um den Globus und vordergründig aus den Vereinigten Staaten mithilfe von Sklavenarbeit.
    Durch die Erfindungen von Maschinen zur industriellen Herstellung und Verarbeitung von Baumwolle wurde nicht nur der Baumwollanbau effizierter, sondern beschleunigte die massive und exzessive Bewirtschaftung von Landflächen durch Entwässerung von Feuchtgebieten, deren Ökosysteme eine wichtige Rolle als Kohlenstoffspeicher spielen – wodurch der Klimawandel und die Sklaverei stärker denn je vorangetrieben wurde.
    Die Baumwolle wurde nach Europa verschifft, zu Kleidung verarbeitet, getragen, anschließend von armen Lumpensammlern/Tagelöhnern an Papiermühlen verkauft, wo diese Lumpen mit giftigen Chlorverbindungen gebleicht zu einer Masse verarbeitet wurden.

    Die rasant wachsende Nachfrage nach Papier und der Mangel an Baumwolle führten zu einem Umdenken und Suche nach Alternativen. Das in Deutschland perfektionierte Holzschliffverfahren war die Lösung und die Antwort. Bei dem Verfahren wird das Holz unter anderem in Schwefelsäure gekocht und so in einzelne Zellulosefasern zerlegt.
    Die Papierherstellung trug jahrzehntelang zur massiven Wasserverschmutzung bei und setzte große Mengen von Schwefelsalzen und anderen Giftstoffen willkürlich ohne Kontrolle und Auflagen in die Umwelt frei.
    Dieses Holzschliffverfahren führte übrigens auch zur Entdeckung von Zellulosenitrat, dem ersten synthetischen Kunststoff, der zur Herstellung von Celluloidfilm für Fotografien und Filme verwendet wurde. (Somit zählt die Fotopapier-Industrie zum Wegbereiter und Erfinder von Plastik.)

    Die Fotopapier-Industrie nutzte außerdem Substanzen tierischen Ursprungs wie Albumin und Gelatine, die aus industrieller Tierhaltung und Schlachtung stammten. Ende des 19. Jahrhunderts soll ein einziger Papierproduzent in Dresden für die Albumin-Beschichtung sechs Millionen Eier pro Jahr verbraucht haben. Gelatine wurde für lichtempfindliche Beschichtungen sowohl bei Celluloid als auch bei Fotopapier verwendet.

    Für die Herstellung und Beschichtung von Fotopapier und Film verarbeitete Eastman Kodak bis 1999 jährlich über 30 Millionen Tonnen Rinderknochen.

  • Schutz geistigen Eigentums

    Schutz geistigen Eigentums für Marken, Patente, Gebrauchsmuster, Design, Gebäude und Kunstwerke

    Unter dem Begriff „geistiges Eigentum“ – international als „intellectual property (IP)“ bezeichnet – fallen Eigentumsrechte an Schöpfungen des menschlichen Intellekts (beispielsweise Erfindungen, Know-how, Software). Der Begriff „gewerbliche Schutzrechte“ bezeichnet die Gesamtheit der Rechte, die diese individuellen geistigen Leistungen schützen, wie das Patent- und Gebrauchsmusterrecht in Bezug auf Erfindungen oder das Urheberrecht in Bezug auf Werke der Wissenschaft, Literatur und Kunst (einschließlich Software).

    Die Rechte des geistigen Eigentums

    Nur der Urheber hat das ausschließliche Nutzungs- und Vervielfältigungsrecht: Dritte dürfen ohne deren Zustimmung keinen Gebrauch machen oder nachahmen.

    Die Qualität des Erzeugnisses ist garantiert und die Herkunft ist klar. Dies kann für ein Unternehmen von Vorteil sein, weil Kunden möglicherweise eher Produkte kaufen, die strengere Kontrollen durchlaufen haben.

    Nicht nur die direkte Nutzung der Eigentumsrechte ist lukrativ, sondern auch die Vergabe von Lizenzverträgen, mit denen andere Unternehmen für einen bestimmten Zeitraum die Nutzung des Eigentumsrechts erlauben. Urheberrechte und nicht eingetragene Geschmacksmuster sind automatisch geschützt und erfordern keine weiteren Formalitäten.

    Mit einem Patent oder einer Handelsmarke können gegebenenfalls Marktwertsteigerungen erzielt und dem Unternehmen die Suche nach Investoren oder anderen Finanzierungsmöglichkeiten erleichtert werden.

    Wir können keine Garantie für die Vollständigkeit, Genauigkeit oder Richtigkeit der hier enthaltenen Informationen und weiter unten zusammengestellten Liste übernehmen. Außerdem möchten wir darauf hinweisen, dass die Art der Lizenzierung für verschiedene Länder, Branchen sowie kommerzielle oder redaktionelle Zwecke unterschiedlich sein kann. 

    Die aufgeführten Warenzeichen, Gebäude und Kunstwerke sind größtenteils in englischer Sprache gehalten, um einer internationalen Schreibweise und Verständlichkeit möglichst nahe zu kommen.

    Trademarks, Fahrzeuge

    Ampelmännchen (Ampelmann)

    Antony Gormley

    Art Installations

    Atomium

    Australian Aboriginal and Torres Strait Islander Guidelines

    Australian Aboriginal Flag

    Blood Swept Lands and Seas of Red

    Burberry Check

    Burning Man Festival

    Cadillac Ranch

    Camouflage

    Carousels by Carousel Works

    Cassandre

    Chicago Millennium Park

    Christ the Redeemer

    Christo and Jeanne-Claude

    Cloud Gate

    Crazy Horse Monument

    Figurines

    Grand Central Terminal

    Gwanghwamun Square

    Hector Guimard – Paris Metro Sign

    Hollywood Walk of Fame

    Holocaust Memorial (Berlin)

    Iwo Jima Memorial Statue

    Korean War Memorial

    Lygia Pape

    Memorial and Burial Sites

    Millennium Sculpture

    Mont Saint-Michel Jetty Bridge

    Neon Museum and Boneyard

    Royal Canadian Mint

    Rudolph

    Sam Houston Statue

    Seattle Olympic Sculpture Park

    Shoes on the Danube

    Sistine Chapel

    Smile on a Stick

    Smithsonian Institution

    Solomon R. Guggenheim Museum

    Spiral Jetty

    Spoonbridge Sculpture

    Statue of Liberty replica (Las Vegas)

    Stone Mountain Carving

    The British Museum

    The Little Mermaid (statue)

    The Merlion

    The Vietnam Women’s Memorial

    The Walt Disney Company

    The Weltzeituhr Berlin

    Trading Cards

    Umbrella Sky Project

    Unique Designs & Luxury Goods

    US Million Dollar Bill

    US National Arboretum

    Vietnam Memorial Wall

    Wall Street Bull

    Gebäude, Wahrzeichen und Orte

    Anzac Bridge (Australia)

    Architecture by Oscar Niemeyer

    Atomium

    Berlin Cathedral (Berliner Dom)

    Berlin Hauptbahnhof (Central Station)

    Biltmore Estate

    Bordeaux, France

    Boston Public Library

    Burj Al Arab

    Burning Man Festival

    Casa Milà (La Pedrera)

    Castles in Europe

    Cathedral of Our Lady of the Angels

    CCTV Headquarters

    Chicago Millennium Park

    Christ the Redeemer

    Christo and Jeanne-Claude

    City of Arts & Sciences

    Cloud Gate

    Cologne Cathedral

    Eiffel Tower by night with the light illumination

    Empire State Building

    Erasmus Bridge

    Graceland

    Grand Central Terminal

    Grauman’s (Mann’s) Chinese Theatre

    Haneda (Tokyo International Airport)

    Harewood House

    Hearst Castle

    Holocaust Memorial (Berlin)

    Japanese Shrines, Temples and Castles

    Japanese Train Systems

    Koury Corporation

    La Geode

    La Grande Arche de la Defence

    Las Vegas Hotels

    Levens Hall

    Lincoln Center and Institute

    Lyon’s Saint Exupery Airport

    Marina Bay Sands

    Melbourne Federation Square

    Metropol Parasol

    Mont Saint-Michel Jetty Bridge

    Moulin Rouge

    Munich Olympic Park

    Museo del Prado

    Museums & Ticketed Locations

    National Centre for the Performing Arts

    Nationale Nederlanden Building

    Notre Dame de Paris

    Olympic & Paralympic Games and Venues

    Pont de L’Ile de Re

    Pont de Normandie

    Port of Kobe

    Private Universities and Colleges

    Pro Sport Stadiums and Venues

    Provencher Bridge

    Quinta da Regaleira (The Fifth Estate)

    Radio City Music Hall

    Rockefeller Center

    Rockefeller Villa, The Bellagio Centre

    Rosslyn Chapel

    Seattle Space Needle

    Sheikh Zayed Grand Mosque

    Shinjuku Golden Gai

    Shinjuku Gyoen Park

    Shrine of Remembrance (Melbourne)

    Sistine Chapel

    Six Flags Amusement and Theme Parks

    Spelling Mansion (The Manor)

    St. Gereon’s Basilica

    St. Michael’s Church

    St. Peter’s Basilica

    St. Stephen’s Cathedral (Stephansdom)

    Sugarloaf Cable Car

    Swiss Railway Clock

    Sydney Opera House

    Taipei 101

    Teufelsberg

    The British Museum

    The Burj Khalifa

    The Court of Justice of the European Union

    The Experience Music Project

    The Guggenheim Museum

    The Hermitage (Winter Palace)

    The J. Paul Getty Center

    The Louise Weiss Building

    The Louvre and IM Pei’s Pyramid

    The Millau Viaduct

    The Museum of Modern Art (NYC)

    The Orpheum Theatre, Los Angeles

    The Reichstag

    The Residenz (Munich)

    The Ronda Bull Ring

    The Walt Disney Company

    The Walt Disney Concert Hall

    The Works of Frank Lloyd Wright

    The Works of Jean Desbois

    Tokyo Imperial Palace

    Torre Agbar / Agbar Tower

    Transamerica Pyramid

    University of Alabama

    University of California (Berkley, Los Angeles)

    University of North Carolina Old Well

    University of Otago

    US National Arboretum

    Vessel

    Vinoy Park Hotel

    Virginia House

    Vogtsbauernhof (Black Forest) Museum

    Wales Millennium Centre

    Wheaton College (Illinois)

    Willis (formerly Sears) Tower

    Yokohama City

    Kunstwerke

    Ampelmännchen (Ampelmann)

    Antony Gormley

    Art Installations

    Atomium

    Australian Aboriginal Flag

    Blood Swept Lands and Seas of Red

    Burberry Check

    Burning Man Festival

    Cadillac Ranch

    Camouflage

    Carousels by Carousel Works

    Cassandre

    Chicago Millennium Park

    Christ the Redeemer

    Christo and Jeanne-Claude

    Cloud Gate

    Crazy Horse Monument

    Figurines

    Grand Central Terminal

    Gwanghwamun Square

    Hector Guimard – Paris Metro Sign

    Hollywood Walk of Fame

    Holocaust Memorial (Berlin)

    Iwo Jima Memorial Statue

    Korean War Memorial

    Lygia Pape

    Memorial and Burial Sites

    Millennium Sculpture

    Mont Saint-Michel Jetty Bridge

    Neon Museum and Boneyard

    Royal Canadian Mint

    Rudolph

    Sam Houston Statue

    Seattle Olympic Sculpture Park

    Shoes on the Danube

    Sistine Chapel

    Smithsonian Institution

    Solomon R. Guggenheim Museum

    Spiral Jetty

    Spoonbridge Sculpture

    Statue of Liberty replica (Las Vegas)

    Stone Mountain Carving

    The British Museum

    The Little Mermaid (statue)

    The Merlion

    The Vietnam Women’s Memorial

    The Walt Disney Company

    The Weltzeituhr Berlin

    Trading Cards

    Umbrella Sky Project

    Unique Designs & Luxury Goods

    US Million Dollar Bill

    US National Arboretum

    Vietnam Memorial Wall

    Wall Street Bull